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Begleitgeschichte

Jean-Michel Jarre, Weggefährte. Teil 2: derselbe Raum, 2014–2026

Als Jean-Michel Jarre im Herbst 2014 zu Edgar Froeses Studio in der Nähe von Wien fuhr, hatten sich die beiden Männer nie wirklich getroffen. Fast vierzig Jahre lang waren sie als Pioniere derselben Musik in einem Atemzug genannt worden und hatten Abstand gehalten. Was Jarre dorthin brachte, war ein Album, das er seit Jahren plante.

Eine Familie

Das Album habe in einer dunklen Phase begonnen, sagte Jarre, in der er sowohl seine Eltern als auch seinen Verleger Francis Dreyfus verlor, den Mann, der Oxygène herausgebracht hatte, als fast alle anderen Labels es ablehnten. Elektronische Musiker, sagte er, arbeiteten allein in ihren Studios wie Schriftsteller oder Maler im Atelier, und er wollte die Tür zu diesem einsamen Handwerk öffnen. Im Begleittext schrieb er, elektronische Musik habe „eine Familie, ein Erbe und eine Zukunft“.

Seine Familie, wie er sie zeichnete, bestand aus Künstlern, die ihn über vier Jahrzehnte hinweg inspiriert hatten und die jeweils einen sofort erkennbaren Sound besaßen: Moby, Massive Attack, Air, Vince Clarke, Gary Numan, Pete Townshend, Hans Zimmer, John Carpenter und jüngere Produzenten wie Boys Noize und M83. Tangerine Dream stehe sehr hoch auf seiner Wunschliste, sagte er. Boys Noize, ein deutscher Act, sollten das Album eröffnen, weil elektronische Musik in Deutschland und Frankreich am stärksten verwurzelt sei.

Er setzte sich zwei Regeln. Er wollte jeden Beteiligten persönlich treffen, in dessen oder im eigenen Studio, statt Dateien an Leute zu schicken, die er nie sah. Und jedes Stück sollte mit einem Demo beginnen, das er aus seiner eigenen Vorstellung von der Musik dieses Künstlers schrieb, mit Raum für dessen Antwort. Also reiste er: nach Berlin zu Boys Noize, nach Los Angeles zu Moby und Laurie Anderson und aufs Land bei Wien zu Tangerine Dream. Das Projekt dauerte fast fünf Jahre und ergab mehr als zwei Stunden Musik, erschienen als zwei Alben: Electronica 1: The Time Machine (2015) und Electronica 2: The Heart of Noise (2016).

Zero Gravity

In Froeses Studio empfing die Band Jarre mit ihrer eigenen Version von Oxygène, dem Album, das ihn berühmt gemacht hatte. Jarre bat um etwas anderes. Er wollte ein Stück, das rein elektronisch war, mit Synthesizern, analog oder digital. Die Synthesizer-Jahre der Band interessierten ihn, sagte er, mehr als die Rock-Jahre mit Saxophon und Gitarren. Er hatte ein auf Sequenzen aufgebautes Demo mitgebracht, und das Ziel war, wie er es später formulierte, ihre DNA zu verweben, mit einem poetischen und mathematischen Ansatz, den er mit ihnen zu teilen glaubte.

Sie arbeiteten den ganzen Tag gemeinsam daran, und ein paar Tage später schickte Froese das fertige Stück zurück. Jarre fand es nah an dem, was er sich vorgestellt hatte, und bemerkte, dass die Teile, die am meisten nach Tangerine Dream klingen, von ihm komponiert und produziert waren, während vieles, was nach Jarre klingt, von der Band stammte. Thorsten Quaeschning, der mit Froese daran arbeitete, war beeindruckt davon, wie wenig Jarre brauchte: Er selbst stapelte Hunderte Spuren, um den einen guten Klang zu verstecken, während Jarre seine Magie aus drei Instrumenten baute, höchstens sechs.

Wochen später, nur wenige Tage vor seinem Tod, schickte Froese Jarre eine Nachricht dazu: „Alles beginnt bei ‚Zero‘ und kehrt nach einem längeren oder kürzeren Zyklus zu ‚Zero‘ zurück.“ Er starb am 20. Januar 2015 in Wien. Jarre nannte „Zero Gravity“ das letzte Stück, das Tangerine Dream mit Froese als seiner Seele machte, und widmete ihm das gesamte Electronica-Projekt.

Über die Mischung der Generationen auf dem Album stellte Jarre eine These auf. Spiele man Leuten, die nichts über die Künstler wüssten, „Zero Gravity“ und „Immortals“ vor, sein Stück mit dem Duo Fuck Buttons, könnten sie nicht sagen, was von Musikern um die sechzig und was von Musikern um die zwanzig stamme. Tangerine Dream selbst waren da schon eine Band mehrerer Generationen: Froese hatte den in den 1970er-Jahren geborenen Quaeschning geholt, der die Band nach Froeses Tod weiterführte.

Zurück in den Charts

Das Publikum nahm Electronica gut auf. Es brachte Jarre eine Grammy-Nominierung als bestes Dance-/Electronic-Album ein, die beiden Bände wurden in ganz Europa zu Hits, und zusammen brachten sie ihn nach fünfundzwanzig Jahren erstmals wieder in die britischen Top 10. Mojo nannte den ersten Band einen „uneingeschränkten Triumph“; andere Rezensenten fanden ihn durchwachsen. Am häufigsten gelobt wurden die Stücke, in denen sich Jarres Stil mit einem Partner traf, der einen eigenen, starken Stil mitbrachte.

Ab 2016 ging er mit der Musik auf Tournee, zum ersten Mal durch Nordamerika, mit einer Show, die 3D-Bilder ohne Brille bot. 2017 spielte er auf einer schwimmenden Bühne bei Masada am Toten Meer, um auf das Schrumpfen des Sees aufmerksam zu machen, und 2018 war er an zwei Abenden Hauptact beim Coachella-Festival. Er gehörte auch zu den Musikern, die in Revolution of Sound (2017), dem Dokumentarfilm über die Band, über Tangerine Dream sprechen.

Oxygène noch einmal

Ein drittes Oxygène hatte er nicht geplant. Bei den Arbeiten an Electronica schrieb er ein Stück, das nicht zu den anderen passte, behielt die Idee und nahm den Wunsch seiner Plattenfirma nach einer Veröffentlichung zum vierzigsten Jubiläum als Termin. Oxygène 3 (2016) entstand wie das erste, in sechs Wochen, in einem Studio mit minimaler Ausstattung, nach der langen Planung und den Reisen für Electronica. Die ersten beiden Oxygène-Platten hörte er sich vorher nicht an. Er übernahm die Idee einer Suite aus sonnigen und dunklen Stimmungen, aber keine Melodien, und nummerierte die sieben neuen Stücke als Teile 14 bis 20. Die Kritik fand das Album angenehm und leicht und hob das abschließende „Part 20“ als gehaltvollstes Stück hervor.

Équinoxe Infinity (2018) kehrte im selben Geist zu seinem zweiten Album zurück. Er verglich es mit der Fortsetzung eines Films, zwei Geschichten in derselben Welt, und ging zum ersten Mal vom Bild aus. Michel Grangers Hülle für Équinoxe zeigt Beobachter mit Ferngläsern, in denen Jarre die Technik sah, die die Menschheit beobachtet. Er gab zwei neue Hüllen in Auftrag, eine mit Menschen im Frieden mit Natur und Maschinen und eine mit Angst und der Machtübernahme der Maschinen, und machte das Album zum Soundtrack für beide.

Virtuelle Bühnen

Der Mann, der elektronische Musik aus dem Konzertsaal ins Freie gebracht hatte, fand 2020 eine weitere Bühne. Im Juni, als sich die Musikszene durch die Krise kämpfte, spielte er ein Konzert live aus seinem Studio, während sein Avatar in einer virtuellen Welt auftrat. An Silvester 2020 gab er Welcome to the Other Side, eine fünfzigminütige Show, in der er live aus einem Studio nahe Notre-Dame spielte, während sein Avatar in einer virtuellen Notre-Dame auftrat. Sie erreichte nach offizieller Zählung mehr als fünfundsiebzig Millionen Zuschauer über Virtual-Reality-Plattformen, Fernsehen und soziale Medien und mischte Stücke aus Electronica mit neuen Versionen von Oxygène und Équinoxe. Er gab weiter Konzerte in der virtuellen Realität, darunter eines im Spiegelsaal von Versailles am ersten Weihnachtstag 2023. Es gab auch reale: ein Gratiskonzert 2024 in Bratislava vor geschätzt über 100.000 Menschen und im September desselben Jahres die Abschlussfeier der Paralympics in Paris.

Zurück ins Labor

Sein gewagtestes spätes Album führte ihn dorthin zurück, wo er angefangen hatte. 1969 hatte er am Groupe de Recherches Musicales von Pierre Schaeffer studiert, wo einer seiner Lehrer Pierre Henry war, der Pionier der musique concrète. Henry starb 2017, bevor die beiden zusammenarbeiten konnten, aber er hatte Klänge für das Projekt aufgenommen, und seine Witwe übergab sie an Jarre, der einige davon als Ausgangspunkt nutzte. Oxymore (2022) ist im Geist der musique concrète entstanden, akustische und elektronische Klänge verschmelzen, bis man Gesampeltes kaum noch von Synthetischem unterscheiden kann. Jarre nahm akustische Quellen mit Kontaktmikrofonen auf, darunter ein Waterphone, eine Donnertrommel und eine Ocean Drum, und verwendete nur wenige analoge Synthesizer. Es war der entgegengesetzte Weg zu Oxygène. Er mischte es für dreidimensionalen Klang in einem Experimentalstudio von Radio France mit neunundzwanzig Lautsprechern, in dem Gebäude, in dem er einst studiert hatte. The Quietus fand es erfindungsreicher als die meisten Synthesizer-Alben seiner Zeit, dunkler und dichter als Oxygène.

Fünfzig Jahre

2026, im fünfzigsten Jahr von Oxygène, brachte Jarre das Album in einem neuen Remaster der Originalbänder wieder heraus, das er als „am getreuesten gegenüber dem, was ich 1976 ursprünglich geschaffen habe“ bezeichnete. Im selben Jahr veröffentlichten Tangerine Dream ihr Barbican-Konzert von Phaedra, gespielt zum fünfzigsten Jubiläum dieses Albums.

Jarre war zu einem Altmeister dieser Musik geworden, der noch immer jüngere Generationen anzog. Ein französischer Interviewer bemerkte, Massive Attack, Moby, Carpenter und andere hätten seine Einladung zu Electronica als Zeichen der Dankbarkeit angenommen. Die englischsprachige Szene, sagte er, sehe in ihm einen „Godfather“ der elektronischen Musik, einen Titel, den er amüsant fand. Später sprach er von einem gemeinsamen Anfang. Elektronische Musik, sagte er, „begann in unseren Ländern, in Frankreich und Deutschland“, und Tangerine Dream, „noch mehr als jeder andere“, stehe für die Verbindung zwischen Technologie und klassischer Musik. Der junge Mann, der Schaeffers Labor verlassen hatte, um ein Publikum zu finden, und die Band, die in Berlins Kellerclubs begonnen hatte, hatten sich im selben Raum getroffen und zusammen ein Stück Musik gemacht.